Max Pechstein - Ženske ob morju. Pablo Picasso - Rumene perunike

23. december 2014, 14:54

Pred dnevi sem pomislil, da veliko pišem o potovanjih, arhitekturi, arheologiji, ruševinah, samostanih itd., ter nekako povsem opustil umetnost in muzeje, do katerih gojim nič manj nežna čustva. In glede na to, da sem bil pred kratkim v Londonu, za katerega lahko rečemo, da je »prestolnica svetovne umetnosti«, imam o čem pisati. V petih dneh v mestu mi je uspelo obiskati devet muzejev, vključno z British Museum, verjetno najboljšim muzejem v mojem življenju, v katerega sem šla dvakrat, saj sem ugotovila, da ga ne morem niti obiti naenkrat, kaj šele raziskati to, Naravoslovni muzej, ki ni nič manj kul kot Britanski, Albertov in Viktorijin muzej, Narodna galerija, Wallaceova zbirka, celo obiskal zbirko kraljice Viktorije v Buckinghamski palači (čeprav so mi psice skrile Vermeerja) in tako na. Vendar vam danes ne želim povedati o "monumentalnih" umetniških palačah, temveč o majhni, a zelo uspešni zbirki - Inštitutu za umetnost Courtauld. Ki se, mimogrede, ironično nahaja v palači))

Umetniški inštitut ali galerija Courtauld se nahaja v Somerset House - ta klasična stavba zavzema cel blok med Strandom in Temzo. Tu je živel Edward Seymour, stric kralja Edwarda VI., nato pa je tukaj živela bodoča kraljica Elizabeta. Po velikem londonskem požaru je palačo obnovil sam Christopher Wren, a mu usoda ni bila naklonjena in so jo leta 1775 porušili. In na njegovem mestu je bila postavljena sedanja stavba, v severnem krilu katere (ki jo je v 18. stoletju zgradil Sir William Chambers) je zdaj zbirka Samuela Courtaulda.

Courtauld, proizvajalec tekstila in navdušen zbiralec umetnin, je inštitut ustanovil leta 1932. Idejo je gojil že od zgodnjih dvajsetih let, o tem se je dolgo pogovarjal z londonsko univerzo, a ni našel mesta. Posledično je po smrti svoje žene svojo hišo v Londonu prenesel na že ustanovljen inštitut - čudovit dvorec iz 18. stoletja, ki ga je zgradil arhitekt Robert Adam, za 50-letni najem. Po njegovem načrtu naj bi umetnostno zgodovino tu poučevali neposredno po zgledu del, zbranih na inštitutu. Samuel je zavodu podaril večino svoje zbirke in precejšen znesek denarja za gradnjo galerije. Sam tekstilni delavec pa svojih sanj ni dočakal - umrl je leta 1947, galerijo pa so odprli šele leta 1958. Vendar je bila zbirka oddaljena - tako od inštituta kot od osrednjega dela Londona, kar je povzročilo nekaj neprijetnosti. Poleg tega se je najemna pogodba iztekla v osemdesetih letih. Posledično je bilo odločeno, da se inštitut in zbirka preselita v prazno Somerset House in od takrat se nahajata tukaj.

Zbirka Courtauld vključuje tako stare mojstre kot bolj "moderne" avtorje - impresioniste, fovisiste in celo umetnike 20. stoletja. No, zdaj o vsem selektivno po vrsti. Zgoraj sem pokazal dve sliki Lucasa Cranacha starejšega. Drugi se imenuje "Adam in Eva". Na njej sta upodobljena Adam in Eva v usodnem trenutku zapeljevanja. Eva poda Adamu jabolko, kača, ki se ovije okoli drevesa, opazuje, kaj se dogaja. Cranach in njegovi učenci so na to temo slikali več kot petdesetkrat (najbolj znana slika je v galeriji Uffizi v Firencah, uspešni različici sta v muzejih v Leipzigu in Würzburgu).

Rubens - Družina Jana Brueghela starejšega. Rubens in Bruegel sta skupaj naslikala veliko slik - Rubens je slikal portrete, Bruegel pa pokrajine in druge teme. Umetnika sta bila tesna prijatelja, zato je Rubens, ko je slikal portret družine Bruegel, poskušal upodobiti mirno vzdušje, pri čemer je poudaril pomen družine in prijateljstva. Portret prikazuje umetnika samega z ženo in otroki. Katharina, Janova druga žena, je srce intimne enote, ki jo prikazuje portret. Otroka, Petra in Elizabeto, stisne čim tesneje k sebi. Ena Katarinina roka počiva na Petrovem ramenu, druga stiska hčerkino krhko roko. Elegantno oblečen Peter se poigrava z mamino zapestnico, morda zaročnim darilom. Družina Bruegel, premožni prebivalci Antwerpna, so oblečeni v zelo elegantna oblačila. O Ianovem poklicu ni niti namiga.
Sam umetnik stoji nekoliko zadaj, kot da ščiti svojo družino. Toplina, ki veje iz slike, je za Rubensa netipična in je primerljiva le s portreti njegove lastne družine (eden od njih je bil nad to sliko, a Rubensa ne morem več fotografirati, to je dovolj).

Pierre-Auguste Renoir - Loža. Ta slika je bila vključena v prvo impresionistično skupinsko razstavo leta 1874 in velja za eno najbolj znanih Renoirjevih slik v sedemdesetih letih. Ocene so bile dobre, vendar je umetniku uspelo prodati sliko šele leto kasneje in to za zelo majhen znesek - 475 frankov. Preidimo na samo sliko - prikazuje moškega in žensko v gledališki loži. Modela sta bila Renoirjev brat Edmond in manekenka Montmarte Nini Lopez, znana kot "Fish Face" (očitno je bil to v tistih letih kompliment). Mnenja kritikov o sliki so bila razdeljena: nekateri so menili, da ženska oblačila kažejo na nevarnost moderna moda, drugi pa so, nasprotno, pohvalili eleganco obleke.

Degas - Plesalci. Zdi se, da nobena samospoštljiva umetniška zbirka ne more brez takšne slike. Ne bom govoril o platnu, žal)

Camille Pizarro - Lane Station Dulwich. Umetnik je eno leto preživel v begunskem taborišču med francosko-prusko vojno. Ta železniška postaja (danes ne obstaja) je bila blizu njegovega doma v Norwoodu. Zanimivo je, da Pizarro, ki je imel običajno raje natrpane pokrajine, na tej sliki ni naslikal niti ene osebe - morda je bila to njegova reakcija na dogajanje. Umetnik je sprva nameraval vstaviti osamljeno figuro, ki kosi travo, nato pa je tudi to sliko odstranil.

Honoré Daumier - Don Kihot in Sančo Panza. Iz Daumierjevih nedokončanih del na to temo slavni roman Cervantes. Slika ohranja vzdušje humorja in tragične velikodušnosti. Umetnik je uporabil tudi konja in osla, da bi predstavil razliko v značajih obeh junakov.

Edouard Manet - Na plesu. Galerija Courtauld ima štiri slike Maneta, ki si vse zaslužijo ločeno razpravo. Ta skica je bila prodana leta 1884 skupaj s celotno vsebino umetnikovega ateljeja. Velik del platna je ostal nepobarvan, vendar je umetniku uspelo z nekaj potezami čopiča orisati obrnjen trup ženske in njeno obleko. Za žensko je vidna druga figura - moški. Strokovnjaki so žensko, ki je služila kot model za skico, prepoznali kot Marguerite de Confans, katere družina je bila v tesnih odnosih z Manetovo družino.

Še dve sliki Maneta - Nabrežje Sene v Argenteuilu in Zajtrk na travi.

Nabrežje Sene v Argenteuilu- umetnikovo najgloblje poglobitev v tako imenovani "odprti impresionizem". Umetnik je sliko naslikal med bivanjem v Argenteuilu s Claudom Monetom in njegovo družino. Kot modela za platno sta služila Claudova žena Camille in njegov sin Jean. Nenadni udarci povečajo učinek valov, lahki lahki udarci pa poudarijo vzdušje poletnega zraka. Še ena slika iz serije Jahte v Argenteuilu - videl sem med obiskom Narodnega muzeja Cardiffa, glavnega mesta Walesa -

Zajtrk na travi- druga različica zelo kontroverzne slike, ki jo je tako kot prvo zavrnil tudi uradni pariški salon. Manet se je znova vrnil k temi renesančnih slik, ki jih je videl v Louvru, in upodobil gole ženske, ki poslušajo moške glasbenike. Manetova slika je povzročila šok, saj je bila pastoralna idila, upodobljena na platnu, namerno prenesena v moderno dobo. Moški nosijo moderna oblačila, gole ženske pa so grde. Na ta način se Manet posmehuje uradni »akademski« umetnosti in šoli.

Edouard Manet - Bar v Folies Bergere. Folies Bergère je varietejska predstava in kabaret v Parizu, ki je bil izjemno priljubljen v konec XIX stoletja. Osrednja literarna revija tistega časa je o Folies Bergere zapisala, da gre za »brezmejno veselje«, Guy de Maupassant pa je točajke v baru opisal kot »preprodajalce pijače in ljubezni«, saj je ta lokal znan tudi po tem, da moški tukaj najemal prostitutke. Manet je tu pogosto obiskoval in na koncu naslikal to sliko - zadnjo, ki jo je predstavil na pariškem salonu pred svojo smrtjo.

Na sliki vidimo natakarico (Susan, umetnikovo staro prijateljico), zatopljeno v svoje misli, ki stoji pred ogledalom, v katerem se odseva občinstvo, ki spremlja predstavo. Mane je zelo dobro uspel prenesti kontrast med neverjetno osamljenostjo ženske in veselo množico, ki pije, kadi in gleda nastop akrobata.

Poleg tega so vsi odsevi na sliki - tako steklenice kot sama natakarica - neresnični. Ženska je obrnjena proti nam, ogledalo pa kaže, da je obrnjena proti stranki. Na ta način nas Manet potegne v sliko. Smo morda njena stranka?

Prav tako ogledalo, v katerem se odsevajo figure, vleče vzporednico med Manetom in dvema drugima slavnima umetninama – Velazquezovimi Las Meninas in Van Eyckovim Parom Arnolfini. Iz tega lahko sklepamo o umetnikovem odnosu do umetnosti. Po eni strani je zasmehoval akademizem in preteklost, poskušal ustvariti novo moderno gibanje v umetnosti, po drugi strani pa je umetnik pokazal brezmejno spoštovanje do del "klasikov".

Pierre-Auguste Renoir - portret Amboisa Vollarda. Amboise Vollard je znan trgovec z umetninami, prijatelj skoraj vseh impresionističnih umetnikov. Zato je Renoir upodobil trgovca v mogočnem položaju strokovnjaka, ki preučuje antično figurico - s pridihom renesančnih zbirateljev. Portret je idealiziran - v resnici je bil Vollard zelo debel in predebel človek, ki so ga pogosto zbadali zaradi ogromne pleše in grdega krompirjevega nosu.

In zdaj nekaj slik Gauguina. "Sanje" je umetnik naslikal med svojim drugim obiskom Tahitija. Na sliki sta upodobljeni dve ženski, ki opazujeta spečega otroka. Figure med seboj ne govorijo, kar poudarja mistično vzdušje. Umetnik je želel, da tema platna ostane nejasna. Sam piše: »Vse na tem platnu so sanje. Je to otrok? Je to mati? Ali pa je jezdec na konju na poti? Ali pa so to sanje umetnika samega? Gauguin je zapisal tahitsko besedo "Sanje" čisto na dnu kompozicije, vendar jo je napačno črkoval: moralo bi biti rereioa in ne rerioa.

Paul Gauguin - Nikoli več(Nikoli več)

Zdi se, da dve ženski v ozadju in "hudičeva ptica na straži" načrtujejo nekaj proti lažnivi ženski. Ženska sama ne spi in očitno razume, da se proti njej nekaj načrtuje. Naslov filma se nanaša na pesem Edgarja Allena Poeja "The Raven", v kateri pesnik, obnoren zaradi nesrečne ljubezni, sliši krokarja, ki nenehno ponavlja "Nevermore". V času slikanja je Gauguina zanimala tema "izgube nedolžnosti" - umetnik je bil zelo razočaran nad svojim obiskom Tahitija, kjer je pričakoval, da bo naletel na primitivni raj, vendar se je soočil s pokvarjeno družbo.

Paul Gauguin - Snopi. Umetnik je to sliko naslikal med svojim tretjim dolgim ​​bivanjem v Bretanji. Zelo so mu bili všeč tradicije regije in originalni kostumi - to je imenoval "pobeg iz Pariza", v lokalnih oblačilih pa je videl določen primitivizem in izraz, ki je poudarjal bujno in živahno življenje. Prostor na sliki je namerno popačen - snopi in grmovje na levi so poenostavljeni in upodobljeni z rahlimi potezami. Toda Gauguinove sanje o preprostem življenju, prikazane na sliki, so postopoma izginile - umetnik se je vedno pritoževal, da množice ljudi in turistov zdaj prihajajo na njegovo najljubšo točko v Pont-Avenu. Kot oseba, ki veliko potuje po svetu (in po Izraelu), ga zelo dobro razumem.

Vincent Van Gogh - Avtoportret s privitim ušesom

Od Gauguina se pomaknemo k mojemu najljubšemu Van Goghu, še posebej, ker sta v primeru te slike umetnika tesno povezana – novembra 1888 se je Gauguin pridružil Van Goghu v Arlesu, da bi skupaj slikali v "Southern Studio" - nekakšni skupini, ki jo je želel organizirati Van Gogha. Toda umetniki so se hitro začeli prepirati in po hudem prepiru je Gauguin odšel. Vincent si je nato odrezal uho in ga poslal Paulu.

Ta avtoportret je bil eno prvih Van Goghovih del po incidentu. Vincent je verjel, da mu bo delo povrnilo duševno stabilnost. Umetnik stoji pred komaj načetim platnom in japonsko skico, ki je pripadala njemu. Zdi se, da je obema obrnil hrbet. To bi si lahko razlagali kot propadle sanje o organizaciji kolonije umetnikov, ki jih navdihuje japonska umetnost. Ali pa morda obratno - kot umetnikov namen, da nadaljuje s slikanjem, ne glede na vse. Film nima dokončnega odgovora – prepuščen je nam, gledalcem.

Vincent Van Gogh - Cvetoče breskve

To je zadnji Van Goghov pogled na Arles, ki ga je slikal od leta 1888. Umetnik je pisal Paulu Signacu: "Tukaj je vse tako majhno, tudi gore, kot v nekaterih japonskih pokrajinah, ki so postale zame predmet privlačnosti." Zasneženi vrh v desnem kotu (nanaša se na goro Fudži) in cvetoča drevesa ustvarjajo mirno vzdušje. Toda upognjena figura na levi poudarja dejstvo, da je to pokrajino ustvaril človek.

Zdaj - več slik Cezanna. Courtauld se je z umetnikovim delom seznanil leta 1922 in bil nad njim preprosto očaran. Tukaj vidimo eno iz serije slik" Igralci kart Druge slike iz te serije so v muzeju D'Orsay v Parizu, Metropolitanu v New Yorku, zbirki Barnes v Filadelfiji, ena slika iz te serije pa je bila kupljena kraljeva družina v Katarju za skoraj 300 milijonov dolarjev, s čimer je slika najdražja na svetu. Druga slika je " Reka v Annecyju".

Še nekaj Cezannov, da zaključim temo - Človek s pipo, ki je služila kot nekakšna skica za Igralce kart (teh slik je šest) in tihožitje. Zdaj pa gremo naprej:

Claude Monet - Antibes. Leta 1888 je Monet nekaj mesecev preživel v Antibesu na jugu Francije. Vreme se je ves čas spreminjalo, kar je umetniku precej oteževalo delo na njegovih slikah, vendar je Monet poskušal na najboljši možen način prenašajo stalne spremembe svetlobe in vetra. Na tej sliki je Monetu uspelo dobro ujeti intenzivnost svetlobe in barve z uporabo zelo kontrastnih barv. »Iz Antib prinašam sladko samo, belo, rožnato in modro, zapečateno v ovoj čarobnega zraka,« je pozneje zapisal v svoj dnevnik.

Georges Seurat - Ženska s pudrom

Ta slika zelo dobro simbolizira vse prednosti pointilizma - tehnike, ki jo je ustvaril umetnik. Modeliranje svetlobe in sence na steni dosežemo z majhnimi pikami v različnih koncentracijah in intenzitetah. Model je Madeleine Knobloch, umetnikova ljubica, s katero je imel tudi dva otroka. Zato je to zelo osebna slika.

Georges Seurat - Most pri Courbevoieju

Seurat je naslikal ta pogled na Seno v industrijskem okrožju Courbevoie v istem pointilističnem slogu. Umetnik je verjel, da so barve v majhnih pikah videti svetlejše kot v mešanici. Prizor prikazuje otok La Grande Jatte, ki ga je Seurat rad slikal (the znamenita slika iz serije - Nedeljsko popoldne na otoku La La Grande Jatte, ki velja tudi za najboljši primer pointilizma - je zdaj na Art Institute of Chicago). Vendar se ta slika od drugih razlikuje po svoji mračnosti in nekakšni grozeči tišini. Izkrivljene človeške figure dodajo temno in muhasto vzdušje slike in jo naredijo še bolj melanholično.

Zdaj - dve sliki Henrija de Toulouse Lautreca - V zasebni sobi (kavarna-restavracija Dead Rat) in Jane Avril na vhodu v Moulin Rouge

Toulouse-Lautrec je znan po svojih portretih nočno življenje Pariz. Prva slika prikazuje prostitutko višji razred, očitno Lucy Jordan, v kavarni-restavraciji Le Rat Mort (Mrtva podgana). Profil njenega spremljevalca je bil izrezan. Zelena svetloba svetilke ustvarja bolesten učinek, ki simbolizira edinstveno vzdušje noči v francoski prestolnici.

V drugem portretu umetnik poskuša prenesti nasprotje med čisto individualnim in družbenim - Jane Avril kot zasebnica in njeno vlogo zvezdniške igralke. Lautrec in Avril sta bila tesna prijatelja, nikoli pa ljubimca. Jane stoji na vhodu v Moulin Rouge, kjer je po govoricah kasneje visel portret. Takrat je bila Jane stara komaj dobrih dvajset let, a temne barve jo naredijo precej starejšo. Videti je odpovedano, kar namiguje, da bo kmalu stopila na oder, in se psihično pripravlja na nastop.

Kees van Dongen - Torzo, Idol

Ženska je prikazana gola v spolno nabiti pozi. Njen razburjeni obraz je pobarvan v tone tople rožnate in vroče rdeče barve. Bledo telo je namerno obrobljeno s temnimi črtami, ki ustvarjajo dramatično ozadje. Sliko lahko gledamo z dveh zornih kotov - ali kot telo, zapuščeno v trenutku spolnega vzburjenja, ali kot monumentalno figuro.

Chaim Soutine - Mlada ženska v beli bluzi

Več kot enkrat sem govoril tudi o svojem ljubljenem Soutinu, ko sem na primer pisal o najboljšem muzeju na svetu -. Mimogrede, kustosi galerije Courtauld, se je izkazalo, sploh ne grabijo zvezd z neba, saj nam tako kot naši izraelski muzeji pripovedujejo, seveda zmotno, da je bil Soutine rojen v Litvi. Vendar se ne pustimo motiti. Ta slika je značilna za Soutinov slog. Figura je popačena, da se poudari fizični in psihični stres. Bela bluza lahko simbolizira čistost in nedolžnost, ki je v nasprotju z zanikrnim obrazom in melanholičnimi očmi.

Odkar sem začel temo, do leta 2012 v Soutinovi domovini ni bilo niti ene njegove slike. Februarja 2012 je Belgazprombank na dražbi Christie's kupila "Great Meadows at Chartres", leta 2013 pa je na dražbi Sotheby's kupila sliko "Eva" za 1.805.000 dolarjev. Ta slika je danes priznana kot najdražja slika v Belorusiji.

Amedeo Modigliani - sedeči akt

Ta slika je del serije portretov golih žensk, ki jih je italijanski mojster naslikal v letih 1916-1917. Značilen dolg vrat na Amedeovih platnih nakazuje vpliv egipčanske, afriške in oceanske kiparske tradicije, ki jo je umetnik študiral na etnografski šoli v Parizu. Ko so bile Modiglianijeve gole ženske prvič razstavljene v galeriji Bertha Weill v Parizu, je policija razstavo pohitela zapreti, češ da je razkazovanje sramnih dlak zločin proti človeštvu. Slika prikazuje Beatrice Hastings.

Pablo Picasso - Rumene perunike

Leto 1901 je bilo za mladega umetnika zelo težko. Ambroise Vollard, čigar portret smo videli zgoraj, je Pablu obljubil, da bo organiziral razstavo svojih slik v Parizu, po kateri je Picasso naglo zapustil Madrid in odšel v francosko prestolnico. Da bi imel čas za pripravo razstave, je Picasso naslikal tri dela na dan in ta slika je ena izmed njih. Iz ostrih in prenagljenih potez je razvidno, kako se je umetnik mudil in poskušal pravočasno dokončati določeno število slik. Kar pa v bistvu ni vplivalo na kakovost dela.

Aleksej Javlenski - Manola

Manola je del serije portretov ženskih glav različnih narodnosti, ki jih je umetnik naslikal v obdobju 1913-1914. Ta glava je bila prepoznana kot španska zaradi imena in tradicionalne mantile na glavi. Njene ogromne oči in svoboden pogled hipnotizirajo gledalca. Jawlensky je imel zelo rad svetle barve, da bi poudaril nekatere podrobnosti portreta, vendar tudi v tem primeru ni jasno, ali ženski pogled izraža samozavest, tesnobo ali sumničavost in previdnost.

Gabriela Munter - portret mlade ženske v velikem klobuku

Nenadoma sem pomislil, kakšne srečne čase so imeli umetniki (in gledalci) pred nadrealisti, ko se je slika lahko preprosto imenovala "Ženska s klobukom" in se ni obremenjevala s tem, potem pa so ti ljudje prišli s svojimi bolnimi sanjami in vse slike začeli imenovati »temna neskončnost v obliki ovalnega valja na ozadju šahovskega jabolka«. Vendar se vrnimo k temi.

V času slikanja je ta podoba veljala za najmodernejšo in najnaprednejšo. Portret poudarja žensko samozavest zaradi njenega posmehljivega, vedočega nasmeha in jasnega, bistrega pogleda. Munter je kasneje zapisal: Risanje portretov je najtežja, a hkrati najbolj duhovna vloga umetnika. Gabriela je skupaj z Vasilijem Kandinskim leta 1911 ustvarila radikalno skupino umetnikov "Blue Rider", ki je delovala v Münchnu. Pripadal ji je tudi Yavlensky.

Max Pechstein - Ženske ob morju

Ta slika je fantazija, ki temelji na umetnikovem prepričanju, da »primitivne«, torej nezahodne kulture, običajno živijo v popolni harmoniji med naravo in človekom. Ženske figure so naslikane pod vplivom afriškega in oceanskega kiparstva. Cilj je bil prikazati »primitivni« raj. Leta 1914 je umetnik obiskal otoke Palau, navdihnjen z Gauguinovim potovanjem na Tahiti.

Marianna Veryovkina - cerkveni stolp

Verevkina je bila članica skupine Blue Horseman, o kateri sem pisal malo višje. To delo je bilo naslikano po tem, ko se je umetnik preselil v Švico, kamor je Marianne zbežala pred grozotami vojne. To prikazuje izmišljeno pokrajino, značilno za Verefkina - dve ženski, ki hodita pod cerkveni stolp, ki se nagiba k njim, hkrati pa zasneženi gorski vrhovi ustvarjajo kontrast z vrtinčastim nebom. Vse to ustvarja mistično in zmedeno pokrajino – kot da govorimo o o spanju.

Leon Kossoff - vodja podjetja Seedo

Ta portret prikazuje pisatelja Seeda, umetnikovega tesnega prijatelja in njegovega prvega varuha. Kossoff je tradicionalno več mesecev delal na portretu, nenehno dodajal nove podrobnosti in prerisoval. Nato je pojasnil: "Vedno si prizadevam doseči največji realizem in napetost." Portret je naslikan v tipičnem kossoffovskem slogu (toliko slojev barve še nisem videl pri nikomer), kar ustvarja občutek, kot da se barva še premika po platnu.

Na splošno, če povzamem - odlična zbirka, ne utrujajoča. Inštitut se lahko sprehodite v približno dveh urah, kar ga loči od monumentalnih muzejev, ki si za ogled vzamejo dan ali mesec. Poleg tega je prav v središču, zakaj se torej ne bi ustavili?

No, morda bo tokrat dovolj. Za tiste, ki jih zanimajo moji drugi obiski muzejev v Londonu - tukaj je objava o galeriji Tate Modern -

institute of art kurtoasiya, institute of art jakna
Koordinate: 51°30′39″ S. w. 0°07′02″ V. d. / 51,51083° n. w. 0,11722° V d. / 51.51083; 0,11722 (G) (O) (I)

Courtauld Institute of Art(angleško: Courtauld Institute of Art) je umetnostnozgodovinski inštitut v okviru Univerze v Londonu, ki ima lastno umetniško zbirko.

• 1 Zgodovina
• 2 Galerija
• 3 Fundacija Courtauld
• 4 Literatura
• 5 Povezave

Zgodba

Inštitut Courtauld so leta 1932 ustanovili tekstilni proizvajalec in zbiratelj umetnin Samuel Courtauld, diplomat in zbiratelj Lord Arthur Leigh in umetnostni zgodovinar Sir Robert Witt. Poleg finančne podpore je Courtauld za časa življenja Inštitutu podaril večino svoje umetniške zbirke, po njegovi smrti pa je Inštitutu prešla tudi njegova hiša, ki jo je zgradil arhitekt Robert Adam na Portman Squareu in ki je postala njegov sedež. Po mnenju njegovih ustanoviteljev bi moral pouk umetnostne zgodovine potekati neposredno na primeru umetniških del, zbranih na inštitutu. Zbirki francoskega impresionizma Samuela Courtaulda se je leta 1934 pridružila zbirka umetnosti 20. stoletja. likovni kritik Roger Fry. Po drugi svetovni vojni so se fondi Courtauldovega inštituta za umetnost dopolnili z deli starih mojstrov: Pietra Bruegla starejšega, Cranacha, Petra Paula Rubensa, Giovannija Battiste Tiepola, Quentina Masseysa, Anthonyja van Dycka iz zbirke lorda Leeja Farehama. in druge zbirke. Leta 1989 se je Courtauld Institute of Art preselil v Somerset House, kjer je bila prej Kraljeva akademija umetnosti.

Galerija

Obsežna zbirka slik Courtauldovega inštituta je odprta za javnost. Hiša Somerset se nahaja na Strandu blizu londonske Narodne galerije. Poleg eksponatov iz lastnih skladov galerija gosti rotacijske razstave. Inštitut ima lastno knjižnico.

Edouard Manet. Bar v Folies Bergere. 1881-1882

Pierre-Auguste Renoir. Loža. 1874

Paul Cezanne. Gora Saint-Victor. 1885-1887

Amedeo Modigliani. Sedeči gol. 1916

Vincent van Gogh. Avtoportret z odrezanim ušesom. 1889

Georges Seurat. Ženska s puhom. 1889-1890

Pierre-Auguste Renoir. Portret Ambroisa Vollarda. 1908

Lucas Cranach starejši. Adam in Eva. 1526

Fundacija Courtauld

Že leta 1923 je Courtauld doniral 50.000 funtov fundaciji Courtauld, ki je bila namenjena nakupu sodobne francoske umetnosti v galeriji Tate in Narodni galeriji. Ta dela niso prikazana na inštitutu Courtauld, ampak v teh umetniških muzejih.

Literatura

V ruščini

• Kudryavtsev B.V. Umetniški muzeji Londona: Galerija Tate. Galerija Courtauldovega inštituta. Zbirka Wallace. Dulwich College Art Gallery in Kenwood House Gallery / Recenzentka I. A. Kuznetsova; Umetnik serije N. I. Vasiljev. - M .: Umetnost, 1994. - 224 str. - (Mesta in muzeji sveta). - 25.000 izvodov. - ISBN 5-210-02545-4. (v prevodu)

V angleščini

• Dennis Farr, William Bradford: Severna pokrajina: flamske, nizozemske in britanske risbe iz zbirke Courtauld London 1986 ISBN 0862940753
• Dennis Farr: 100 mojstrovin iz zbirk Courtauld London 1987 ISBN 0853315345
• William Bradford, Helen Braham: Master Drawings from the Courtauld Collections London 1992 ISBN 0904563065
• John House: Impresionizem za Anglijo, Samuel Courtauld kot mecen in zbiratelj London 1994 ISBN 0300061285
• Shulamith Behr: 20. stoletje v galeriji inštituta Courtauld London 2002 ISBN 1903470072

Povezave

• Courtauld Institute of Art: tematske medijske datoteke v Wikimedijini zbirki
• Uradna spletna stran

Inštitut za umetnost Kurto Dudush, Inštitut za umetnost Kurto You, Inštitut za umetnost Kurtoasia, Inštitut za umetnost Kurtochka

Courtauld Institute of Art je umetnostnozgodovinski inštitut na Univerzi v Londonu, ki ima svojo umetniško zbirko – galerijo Courtauld.

Inštitut Courtauld so leta 1932 ustanovili tekstilni proizvajalec in zbiratelj umetnin Samuel Courtauld, diplomat in zbiratelj Lord Arthur Leigh in umetnostni zgodovinar Sir Robert Witt. Poleg finančne podpore je Courtauld za časa življenja Inštitutu podaril večino svoje umetniške zbirke, po njegovi smrti pa je Inštitutu prešla tudi njegova hiša, ki jo je zgradil arhitekt Robert Adam na Portman Squareu in ki je postala njegov sedež. Po mnenju njegovih ustanoviteljev bi moral pouk umetnostne zgodovine potekati neposredno na primeru umetniških del, zbranih na inštitutu. Zbirki francoskega impresionizma Samuela Courtaulda se je leta 1934 pridružila zbirka umetnosti 20. stoletja. likovni kritik Roger Fry. Po drugi svetovni vojni so se fondi Courtauldovega inštituta za umetnost dopolnili z deli starih mojstrov: Pietra Bruegla starejšega, Cranacha, Petra Paula Rubensa, Giovannija Battiste Tiepola, Quentina Masseysa, Anthonyja van Dycka iz zbirke lorda Leeja Farehama. in druge zbirke. Leta 1989 se je Courtauld Institute of Art preselil v Somerset House, kjer je bila prej Kraljeva akademija umetnosti.

Obsežna zbirka slik Courtauldovega inštituta je odprta za javnost. Hiša Somerset se nahaja na Strandu blizu londonske Narodne galerije. Poleg eksponatov iz lastnih skladov galerija gosti rotacijske razstave. Inštitut ima svojo knjižnico.

Fundacija Courtauld

Že leta 1923 je Courtauld doniral 50.000 funtov fundaciji Courtauld, ki je bila namenjena nakupu sodobne francoske umetnosti v galeriji Tate in Narodni galeriji. Ta dela niso prikazana na inštitutu Courtauld, ampak v teh umetniških muzejih.

Literatura

V ruščini Kudryavtsev B.V. Umetnostni muzeji Londona: Galerija Tate. Galerija Courtauldovega inštituta. Zbirka Wallace. Dulwich College Art Gallery in Kenwood House Gallery / Recenzentka I. A. Kuznetsova; Umetnik serije N. I. Vasiljev. - M .: Umetnost, 1994. - 224 str. - (Mesta in muzeji sveta). - 25.000 izvodov. - ISBN 5-210-02545-4. (prev.) V angleščini Dennis Farr, William Bradford: Severna pokrajina: flamske, nizozemske in britanske risbe iz zbirke Courtauld London 1986 ISBN 0862940753 Dennis Farr: 100 mojstrovin iz zbirke Courtauld London 1987 ISBN 0853315345 William Bradford, Helen Braham : Mojster Risbe iz zbirk Courtauld London 1992 ISBN 0904563065 John House: Impresionizem za Anglijo, Samuel Courtauld kot mecen in zbiratelj London 1994 ISBN 0300061285 Shulamith Behr: 20. stoletje v galeriji Courtauld Institute London 2002 ISBN 1903470072